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我在网上看见过 有人介绍极端电影，我就分享下，有视频的我上传视频，没有的我尽量发地址……
俄罗斯方舟这是一部用数码技术拍摄的影片，描述一位当代电影人突然发现自己置身于1700年前圣彼得堡的一座古老宫殿里，同时周围的人都无法看到他。和他有同样经历的是一位来自19世纪的法国外交官，这一奇遇使两人开始了一场历史的漫游，目睹了俄罗斯千年来的风云变幻。
他漫步在宏伟壮丽的宫殿里，见证了彼得大帝用鞭子狂怒地抽打他的将军，凯瑟琳女皇的个人生活，以及**前夕末代沙皇一家最后的晚餐，还有1913年最后一场辉煌盛大的皇家舞会。
在他们的时间旅行逐渐展开之时，两人之间也不断就俄罗斯的历史文化问题发生争执：侯爵秉持西方对俄罗斯爱恨交织的传统感情，而现代电影人却反思和质疑着他的国家的过去和现在。
一条安达鲁狗法国影片，1928年出品。编导：路易斯·布努艾尔、萨尔瓦多·达利。法国先锋派电影运动中出现的超现实主义电影的一部代表作。
影片无任何情节，只有一组组无逻辑无理性的镜头，以及奇特怪诞形象的不谐调接合：男人想去拥抱他渴望的女人，却被系着南瓜的长绳绊住；一只死驴血淋淋地堆在钢琴上；一个衣冠楚楚男人沿街无聊地踢着小提琴…
有的评论者认为，影片的画面是对梦幻的模仿，具有象征意义，都可以用弗洛依德主义进行分析、解释，如表现了性压抑和反抗等。也有的电影史论家反对对本片作这种简单附会，他们认为编导是在超现实主义绘画的影响下，利用电影形式追求无缘故的荒诞效果和对富于诗意的新比喻技巧的迷恋。但是，透过狂乱、刺激性的画面，人们不难感受到影片表达的时代的苦闷和压抑感。编导对此有极深的体验，因而用残酷的意象和触目惊心的画面效果，如一把锋利的剃刀将人的眼球剖开、巨钟下挂着一颗人头等等，来传达绝望的痛苦情绪和无政府主义式的反抗。因此，影片成了“盲目反抗的青年知识分子的写照”，“这种无力的愤怒呼声所表现的真实情感，使这部影片具有一种人间悲剧的气氛。”（乔治·萨杜尔语）
懦夫跪下据导演自述本片是最“自传的”的作品。
影片背景是20世纪30年代，人物包括温尼伯曲棍球队中一群好色**的队员，另外还有一间“美容/堕胎沙龙”里的雇员。曲棍球员盖尔神魂颠倒地迷上了拥有美貌的梅塔和她的母亲。梅塔一开始压抑着盖尔的情欲，直到一位医生将梅塔死去父亲的双手移植到盖尔手臂上，他的激情才得以释放。之后，由这只美妙而古怪的“移植装置”引发出一个充满谋杀和谎言的故事……
兰陵王这部名叫《兰陵王》的电影仅仅是借用了少许历史以及名字，而内容电影《兰陵王》(5张)却与历史毫不相干。
远古，一个以凤凰为图腾的部落生活在中国西南部山林。兰陵是美丽女首领的独生儿子，年轻英俊，是姑娘们喜欢的偶像，美丽的英英深爱着他。 附近黑鹰部落的人凶残彪悍。凤凰族人向神祈祷，能有一个男首领，带领他们抵御强敌保卫家园。 兰陵终于长大成人率部落杀向战场。两军阵前，黑鹰族首领羞辱兰陵，说他象女人那么漂亮，不是男人，拒绝与他交手。 不久，凤凰族的男人们被黑鹰族全俘了去，并要全部处死。兰陵的母亲以凤凰族女首领身份提出牺牲本部落全体女人的贞操，换取男人们的生命。兰陵羞愧中沉入湖底。他却没死，受神的启发，戴上了极凶恶的面具。自此兰陵变得极为骁勇善战，内心也同时残忍暴戾如野兽一般，成了部落里的灾星。 兰陵的母亲牺牲了自己，将自己的血喷在了兰陵面具上，儿子恢复了善良的灵性，兰陵成了真正的勇士。
蓝**lue（海宝蓝色）不解释整个银幕上是一片蓝色，只有音乐和一群声音：噪杂的医院声，喧嚣的海水声，主人公的陈述声。有时是荒诞感中的幽默，“我在一家鞋店前停下，但还是打消了买鞋的念头，脚上这双鞋已足够让我走进死亡了”；有时是对已因艾滋病去世的挚友的怀念，不断重复着那些名字，“大卫，霍华德，格雷厄姆，特瑞，保尔……”，“我已没有朋友了，他们不是已经死去就是正在死去”；有时是对虚伪社会的愤怒，“虽然有‘与艾滋共存’的口号，但在与艾滋的战斗中，我却不会赢。健康人只是利用病毒，而病人必须生存在艾滋中，人们对艾滋的知觉提高了，但有些东西却遗失了。现实感被戏剧化埋没，思想失明，变成盲人”。
《蓝色》，是对恐惧和绝望的拒绝，是在死亡的利齿之间那种公然不服从的自由之态。“我献给你们这宇宙的蓝色，蓝色，是通往灵魂的一扇门，无尽的可能将变为现实。”sorry 此视频 没找到
去年在马里昂巴德阿伦·雷奈在《去年在马里昂巴德》狂热地沉浸在回忆与忘却的主题里，在一座拥有巴洛克式建筑风格的城市里，戏剧演出正在进行，男人x与女人a相遇。男人告诉女人：一年前他们曾在这里相见，她曾许诺一年后在此重逢，并将与他一起出走。a起初不信，但是男人不停出现在她面前，并且不断描述他们曾经在一起的种种细节。于是，a开始怀疑自己的记忆了，她开始相信，或许真的在去年发生过------《去年在马里昂巴德》重要的是叙述与回忆，在讲述中，形成了强烈的风格，一种对于回忆的迷恋，与往事相纠葛的现实，从无法置信到若有所悟，似乎是镜中之镜，叠现出日常中不见的自己。电影的编剧是"新小说派"的代表罗勃-格里叶，在崭新的叙事时序中，营建了属于内心世界的空间和时间。影片中用了特别多的闪回，用法大胆，连续不断地闪，仿佛是切入内心的x光线。沉迷在回忆之中，有时候记忆只是一种表象，如果不去发现、去提醒或者就会失却真实的内心想法。
阿伦·雷奈打散人名（角色甚至没名字，只有A、M、X等代号，没有时间、与地点的确定性，走进对怀疑的思考，他在封闭的时空内打转，加上和画面并不相应的画外音。画面上的时空也不知是客观存在的外在世界，还是主观内在的思想。《去年在马里昂巴德》对很多人来说是一个未知，但更重要的是这是一个叙事和时间关系的实验。同时影片在摄影、美术上的成就，令它在剧情之外单是视觉上的愉悦已经足以登上经典电影的位置。记忆成了影片的主角，从一开始一个男子在欧洲的一个风景胜地回忆一段关于过去的爱情故事。在这里，回忆让我们觉得即使不可能的又是必需的。
石榴的颜色影片几乎从头到尾都是精彩瞬间，电影语言的诗化、色彩的明艳、构图的奇特均衡、内容上的仪式感、宗教感和展现的民族传统文化，都使影片具有超凡脱俗、特立独行的品质。
试图用文字概括这部影片的内容，基本上是一种荒谬的想法，而且对于亚美尼亚传统文化和宗教无法了解太多的我们，甚至无法完整说出哪怕 一个细节所提供的含义。但对于这样一部风格鲜明突出的杰出影片，如果是因为无法描述而使一些朋友失之交臂的话，那对于我们这个每日碟评栏目来说，是个不可推卸的责任。所以，尽管以下文字仅仅是提供一个视觉概况和大意揣测，也显露出编辑作者的浅薄无知，我们还是做出一篇碟评，供大家参考批评。
我是一位生活和内心充满痛苦的人。石榴的颜色，就是血的颜色，它带着利刃的创痛。
我生活在一个富足的家庭，从小受到父母的无上宠爱。我从小就生活在严谨而温和的宗教氛围之内，在寺院中博览群书。我们民族的生活是多姿多彩的，女人们赤足清洗着地毯、男人们把线染成各种鲜艳的颜色，我们向骑白马的圣乔治顶礼致敬，通过浴室的窗户我见到了世界上最完美的乳房。
我成长为一个苍白清俊的青年，学习音律的同时，我也在生命中第一次爱上了一个女孩，她是我一生的女神，我们在对方心里寻找着自我。在富饶美丽的生活中，我得到的只是痛苦。我们享受着宫廷一般的社交、游玩、骑猎，但内心是无限的空虚。我们为自己的爱寻找一个庇护所，但正相反，这是一条通向死亡谷之路。我怎么用蜡做成爱的城堡，面对你炽热的火焰：你是火，你的衣服是火；我是火，我的衣服是黑色。
为了寻找自己的庇护所，我寻找了每一间修道院，我成了一名神父。我们的父亲，我们的宗教领袖拉扎路斯逝世了，天上仁慈而权威的父亲失去了最得力的权杖，我在圣堂中埋葬了我们的精神之父——葬礼上挤满了温顺的羔羊。
我仿佛回到了童年，又见到慈爱的双亲，狂风骤起，将我从梦中惊醒。我看清了一切，奇怪的是很不文明。我明白是生活抛弃了我，我开始了自我流放的游吟诗人的生涯。
我是一个生活和内心充满痛苦的人，在祖国的大地上流浪也无法止歇我的忧伤，我知道，等待我的最终将是死亡。
我去了，两个小天使把我带到通往死亡谷之路，他们还没有忘记带上我的木琴，也许我将在天堂为我的父亲歌唱。
这部色彩鲜艳、民族风味浓重、宗教感仪式感极其强烈的影片，是前苏联“最后一位天才导演”帕拉杰诺夫著名的“诗电影”杰作之一。影片描述的是亚美尼亚一位十八世纪游吟诗人的故事，这不是一部传记影片，而是一首关于这位诗人的精神影像的诗歌。篇中运用大量象征、隐喻手法，展现了十八世纪亚美尼亚民族风貌和这位诗人的心路历程。欣赏这部影片，不仅仅是一次观影，更是一次朝圣，一次对诗意精神的膜拜之旅。
这张DVD中，还有一个20分钟的帕拉杰诺夫自述纪录片，虽然无法看到原长50分钟的全貌，但对于我们了解这位天才还是极为有益的。对于导演工作，帕拉杰诺夫说：“我相信，你必须生来就是一个导演，它就象十个童年的冒险。”
此外，一个10分钟的静物“写生”短片也值得一看。这个不知题目（有俄语的原文）的短片，如静物写生一样，描述了民族风格的花盆、椅子，古老油画上的男人、女人，生活中略现残破的建筑、雕塑。不知导演用意为何，但透露出对传统文化的钦敬，同时也流露出对传统文化被时间吞噬的一种失落感。
机械芭蕾本片是法国先锋电影运动中立体主义电影的代表作。莱谢尔原是一位立体主义画家，作品多以机械的图案和城市生活景象为主题。《机械舞蹈》是他唯一的一部电影作品。也是他在银幕上对其立体主义美学的一次试验。全片共300多个镜头，由一系列令人眼花缭乱的形象构成。如帽子，白色的圆圈和三角形，一个女人的微笑，来回摆动的球体和通过棱镜分射出的光和线，齿轮，数字，镀铬的机器零件，运动着的机器杆件，杂技表演中的马术场面，商店里的服装和摇彩的轮盘等。这些形象大体可分为两类：物（对莱谢尔来说，实际上也包括部分人体和人的器官）和机器。莱谢尔在影片中摒弃了叙事的元素，而通过一系列快速的组接的独立画面，表现出富于节奏的物件与机械的运动，以构成一种视觉的舞蹈和看得见的音乐。在这里，他把人类行为与其周围的物的世界比作机械的运动，从而构成了关于人与机器世界的隐喻。
莱谢尔最初从事电影创作的意图是要以电影的手段来进行他在绘画方面的研究，他在创作中自然地意识到电影为什么就不能摆脱叙事和演出的梗桔呢？他在《机器的舞蹈》的拍摄中，便进行了这方面的探索。他将日常生活中自然运动的物象，如：钟摆、女孩儿荡秋千、上楼梯的妇女和活动的木马等等，同以电影手段使之运动起来的机器零件、橱窗模特儿的腿、商店里的日用品，以及招贴画和报纸的标题等等一些立体派画家所喜爱的造型物体加以并列，形成了一幕的确富有电影化运动效果的——机器的舞蹈。由于莱谢尔十分强调纯构图形状的匹配和节奏性剪辑的对位处理，因此，影片中一切活动的物像都如同钟摆的节奏运动起来。那些自然物体成为富有生命力、感染力很强的活动影像，而人物的运动在失去了她的现实性的同时，却造成了一种特殊运动的感受方式。莱谢尔曾谈到他拍摄这部影片的目的，他是想“创造出常见的物体在时间和空间中的节奏，表现出它们的造型的美。”然而，事实上正如齐格弗里德·克拉考尔所指出的那样“他在影片中表现出来的这种‘造型的美’是属于节奏的，而不是属于为节奏所掩盖的物体本身的”。对于电影视觉节奏的实验，莱谢尔的《机器的舞蹈》无疑是在探索着电影艺术表现的新的领域。
影片十分注重表现视觉的节奏感。如片中有一胖女人爬楼梯的段落。她不断的爬上去，然后又落回到地面，再重新往上爬。影片通过剪辑反复重复这个段落，以求造成一种机械运动般的节奏。这一模式曾成为60年代以后的试验电影的一个核心技巧《机械舞蹈》像当年的其他默片一样，在放映时有乐队作现场伴奏。更加渲染运动的节奏感。莱谢尔请了当时著名的美国作曲家乔治·安泰尔为影片作曲。安泰尔为这部影片设计了特殊的配器：木琴，8架钢琴，甚至有一台飞机的发动机，以发动机的噪音作为音响和其他乐器相配合。曲调则兼用调性，无调性和十二音体系。
天生杀人狂1994年，美国著名导演奥利佛·斯通经过改编将昆汀·塔伦蒂诺的剧本《天生杀人狂》搬上银幕。这部电影由于其中对暴力的渲染和对美国新闻媒体的讽刺迅速引起了极大的争议。尽管与昆汀的初衷不符，《天生杀人狂》还是一部非常出色的影片。奥利佛·斯通通过MTV式的拍摄剪辑手法、肥皂剧和动画片的综合运用以及大量另类音乐等多种新颖的视听语言大大刺激了观众。《天生杀人狂》中的这些超前的后现代电影手法在今天的电影中已经成为一种时尚。
本片从一个新鲜的角度重新审视了疯狂的犯罪行为与同样疯狂的媒体行为。剧中的主人公是一对喜好血腥和暴力的夫妇，他们最大的乐趣就是杀人。他们的举动引起了一位新闻工作者的注意，并且在自己的节目上加以报导。这一来，他们的知名度很快地又被提高了。即使是他们被捕之后，记者的报导仍然没有停止。一切的犯罪在媒体的眼中似乎都变成了另一个样子。我们该不该为此而感到悲哀呢？
奥利佛．斯通，这个好莱坞倍受争议的导演，总是一次又一次将人性以残酷而血淋淋的方式剖析给观众，又一次一次的用各种极端的视觉奇观冲击着观众的大脑与心灵，将之抬到震撼的颠峰。在他著名的《刺杀肯尼迪》一片中，导演通过凯文．科斯特饰演的律师一角展现了他对一个巨大的历史谎言的探究以及对这个世界上最强大的对手——美国政府的质问与反抗。当我们游走在黑白与彩色两个世界之中，强烈的感受到谎言与假相邪恶而又强大的力量。影片中反复出肯尼迪被刺的实况录象，无声的处理使得那几声枪声更加令人毛骨悚然。到了《天生杀人狂》，斯通似乎又要再一次挑战观众思想和视觉接受能力的极限，于是一场狂乱的杀戮与反抗最终在影片中造成了一场世界末日的狂欢，胶片上布满着伤痕，流淌着鲜血。现实中大概并没有这种疯狂到极点的事情发生，那么导演安排这样一场令人恐怖惊心的杀人事件，他又用意何在呢？通观全片，我们会发现，杀人不过是一种象征手段，两个主人公正是利用这种方式去反抗这个社会中的邪恶与虚伪。
打嗝 和蔼可亲的切克立克大叔就那样静静的坐在自己木屋前的长椅上，看着眼前时光流逝、白云苍狗，时不时的打一个清脆的饱嗝。从老人家干瘪的脸上看不到任何表情，只是偶尔会流露出一丝神秘莫测的笑意，在切克立克大叔的注视下，这个小山村又开始了新的一天：一个卡车司机暗恋上一位牧羊女，他暗中监视着自己的心上人；一个男人和一个女人得意洋洋地看着他们的良种猪交配；一个老太婆在准备晚餐；一只蜘蛛在结网；一株小草缀满了露珠，引来昆虫盘旋；一群人在酒馆里大声吵闹……一切看起来都安静祥和，然而平静下面隐藏着暗流：湖底发现了一具尸体，**赶来调查。不一会儿，他们带走了嫌犯，一切又重归于平静。面对这样一部影片，其实任何语言都是多余的，我相信只要你静下心去欣赏，就会体会到导演帕尔菲给我们所带来的先知般的体验。你在银幕以外，像银幕内的切克立克大叔一样注视着人们的生活，注视着他们的生老病死、喜怒哀乐，无须语言，无需故事，我想，这应该是最接近于神的感觉。当然，如果你觉得无聊，那就尽早的起身离去吧，《打嗝》不需要你这样的俗人捧场。sorry，谁要有地址可以给我发过来
力王《力王》根据漫画改编，力王（樊少皇）为挽救其女友莹莹（叶蕴仪）脱离魔掌，发怒杀死一群坏人而被判入国分监狱，可惜莹莹仍伤重不治。这私营监狱大狂魔狱长（何家驹）是身体能膨胀的巨人且常迫害囚犯。力王在狱中被单眼蛇（樊梅生）迫害，替溽弱但心地善良的老囚犯老马伸张正义，力王屡挫屡战的打不死精神，吓退单眼蛇。于是单眼蛇纠合狱中东南西北四仓之四大天王联合起来陷害对抗力王……老版的力王没找到 不过
还好 在力王吧找到了这是、个视频。91版的《监狱力王》网上禁播，但力王贴吧里可以看，这是地址
君臣人子小命呜呼
以两位皇室信差罗森和吉尔为主角，他们奉丹麦国王与皇后之命进宫安慰丧父的王子，半途遇到一个剧团，乃推荐给哈姆雷特。王子利用剧团的演出将皇叔的杀人阴谋一一演出，皇叔老羞成怒，乃差遣两名信差陪王子到英国，密函英王将哈姆雷特处死。但王子在路上知悉密函内容，乃以另一密函要求英王将两名信差处死，自己潜返丹麦...
不散影片叙述一间老戏院在停业前一个晚上，一个日本青年冒着大雨跑进来，戏院里极度冷清，巨大的宽银幕放映的竟是36年前红极一时的《龙门客栈》，刀光剑影，杀气腾腾，闯入老戏院的日本青年，却意外撞见跟银幕上的侠客长得一模一样的人；他们已垂垂老矣，坐在空荡幽暗的大厅看自己的电影，流泪不止。他们就是《龙门客栈》中的老演员苗天和石隽，两位老人在老戏院相遇后的对话是全片仅有的对白。“现在没有人看电影了……”电影的镜头追随一个跛脚的女子极其辛苦的上下出入在迂回曲折、幽暗湿漏的楼梯间，看着她捧着半颗热腾腾的寿桃面点，献给内心思慕的男子。但谁想那的男子却只专注于眼前的事情，浑然不觉身边还有着一个女人期待他的目光，正在翘首期盼。结果一直等到电影结束，哀怨的女子悻悻然的把那半颗冷掉的面点丢回小电锅里，简单整理收拾后，关上了售票间的门，只悄悄地躲在一旁。最后导演毕竟没有让男主人公辜负跛脚女人的期望，让他习惯性地拎起小电锅、穿上了雨衣，发动引擎，消失在大雨滂沱的夜幕之中。“你知道这个戏院闹鬼吗？”，这个来自电影中意外的提问，如同一个小小的手雷一般拉开了引信，居然在一群寂寞而专注的人们中间引起了一阵恐慌。一时间，戏里戏外、左右邻居，似乎都按耐不住四外里张望了起来。
老电影院关闭前的一天，一位年轻的日本男子冒着大雨冲入其中。剧院很空，没有一丝生气，但里面还是有些人，另外有些，或许不是人。一个身体残疾的售票员和一个年轻的放映员，两人虽然在同一家戏院工作，但却从来没有见过对方。直到戏院关闭前的最后一个晚上，售票员拿着寿桃，走进放映员的房间，里面空无一人，售票员始终不甘心。她不断在迷宫般的电影院里寻找，依然未果。
戏院里的电影演完了，观众逐渐散去，年轻的放映员发现售票员没有像通常那样带饭。戏院关门前播放的最后一部影片是36年前的一部大热电影《龙门客栈》，在观众席中坐着当年演剑客的演员，他看着自己当年的电影，开始哭泣……他真的是不愿离去的鬼魂吗？编辑本段幕后制作
《不散》是蔡明亮的作品，有着浓郁的实践色彩，更有着些许隐寓包含在沉闷的剧情中。苗天和石隽相遇时说：“现在没有人看电影了……”这话可谓是一语双关，回溯台湾电影当前的破落环境、影院的萧条场面，当真是叫人不禁唏嘘。“你知道这个戏院闹鬼吗？”结尾这句让人摸不着头脑的话，让人费解，更令沉闷的全片产生了一点点躁动。想来，最后关头这个小波折有着一定的戏剧暗示，表现出了人们以及影片环境的一种心理恐惧，既恐惧辛苦了半天没人来注意，也恐惧戏院拆掉后无法将这种排遣孤独的方式继续下去。同样，导演也传达了自身对台湾电影的恐惧心理：要么辛苦拍出来的东西没人看，要么曾经缔造辉煌也无人来理，要么有一天，台湾戏院里再不放电影，只留下一些鬼的故事。
苦恋 Vase De Noces（一个人和他的猪）故事发生在一个与世隔绝的农场里，讲的是和畜禽孤独地生活在一起的一个人的故事。他从一开始就显得怪异，比如会尝试给鸽子戴上娃娃头。他爱上了母猪，并和它发生了关系。后来母猪下了小猪仔——人和猪的混血儿。那个人为小猪们编织了漂亮的小毛衣。然而，小猪弃他而去找自己的母亲了，他就吊死了它们。他变得更加疯狂，把母猪也埋了。然后他又开始吃自己的粪便，最后他自杀了。
群尸玩过界 Braindead影片讲述的是一个年青人的母亲被鼠猴咬伤后，变成了一个可怕的吃人恶魔，凶残地猎吃朋友、邻居，最后演变成了僵尸群杀，场面相当血腥。这是一部最过分、最离奇、最变态、最无人性的经典僵尸片，轻而易举地超越了影史上所有同类恐怖影片!
成吨加仑的血浆、漫天飞舞的人体器官、四处飞溅的内脏、堆积如山的断臂残肢以及支离破碎的人（尸）遍地爬行。这是完全不顾正常人主观感受和心理承受力的纯感观刺激，是无视普通观者消化系统和神经系统作息习惯的无理取闹。
它是一部优秀的低制作影片、不错的恐怖片、精彩的独立黑色片，但并不适合所有人。
夺魂索描述两名纽约年轻人，既是同学又是同志为了证明自己的聪明，无缘无故把朋友大卫勒死，并将尸体放在客厅的一个大箱中，然后在屋中举办派对，邀请大卫的亲朋好友来参加。为了挑战智商，他们还故意请了疑心重的教授，并提供很多暗示（奶奶的，有视频 就说有广告i不让发）
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空房间故事讲述的是少妇善花生活在婚姻的暴力之中，华丽的家对她来说有如一个冲不破的牢笼，直至她遇见年轻英俊的泰石。善花选择了跟泰石走，在一家接着一家的空屋之中，展开了奇妙的爱情之旅。该片曾获威尼斯国际影展银熊奖。
哲姆洛克哲姆洛克是一个社会最底层的工人，和母亲和姐姐生活在一栋陈旧的楼房里，每天过着从家里骑单车到地铁站然后坐地铁到工作的地方，下班再回家，一种千篇一律的枯燥生活，哲姆洛克性格古怪猥亵，不常说话，经常偷看老板和他的女秘书在办公室里**，有一天上班，由于哲姆洛克偷看被老板发现了，于是哲姆洛克被工厂解雇了，他冲进厕所，冲着镜子中的自己嚎叫，然后又平静地走了出来，坐地铁，单车也不要了，走回了家，看到他的姐姐在化妆，上半身裸露着，于是他上前抚弄着她的乳房，他姐姐一副很享受的样子。他一声不响地走进自己的房间，找来一把大锤，把墙上咂出一个巨大的洞，然后嚎叫着把电视机，床等所有的东西从洞里扔了出去，重重的摔在了地上，他家里是4楼，巨大的声响把楼上楼上和对楼的邻居吵醒了，他们纷纷出来捂着耳看看什么事，但哲姆洛克不管不顾依旧扔着，下午，哲姆洛克从附近的工地上拖来几袋水泥和砖块，一个人亲自把自己房间唯一的门给封死了，晚上，他把砖块往楼下甚至对面的窗户上扔着，吵得四邻不得安宁，第二天，邻居不堪忍受叫来了**和消防车
lz shadow 20篇极端电影 完美美收场我要的就只质量 和 速度 （内容和海报都好找，唯一难找的就是视频，我动用了我所有的可能尽量给朋友们上传视频没有的 我也发了地址，只有几个用快播可以下 ）朋友们 ，其中有几个抱歉没找到视频，谁要是有可以发上来gave over
其次就是感谢 支持我的朋友
感谢你们的支持！
不能说的秘密
我把网上的信息发给你注意（这是网上的找的）看《俄罗斯方舟》有一种说不出来的痛快感觉，整整96分钟，摄影机带着你在位于圣彼得堡的隐士庐（Hermitage）博物馆里逡巡，全馆33个展厅，一个不落，加起来一共走了两公里以上的路程。影片的主人公是一个灵魂出壳的电影制作人，他莫名其妙的来到了隐士庐博物馆，同样莫名其妙的遇到了一位十九世纪的法国外交官，只有这位外交官能看见他。于是乎，两人结伴同行，一起开始了一次奇妙的博物馆之旅。博物馆藏品众多，涵盖了将近400年的俄国历史，而当两人看到与某段历史有关的文物时，这段历史就会被重演。例如，两人目睹了彼得大帝责打自己意欲篡权的儿子，看见了与情人优惠的叶卡捷琳娜二世，经受了二战时德国军队对博物馆的猛攻，也耳闻了三位馆长对前苏联时期政府管制的抱怨。总之，看这部电影就是一次对俄罗斯历史学习的绝佳历程，一趟隐士庐博物馆转下来，你不得不佩服俄罗斯电影人的良苦用心：即使是国力衰落，但对自己民族深厚的历史积淀仍然是念念不忘，在现世找不到的精神寄托，就去历史中找寻。值得一提的是，导演索科洛夫并没有因为极端长镜头的使用而简化场景调度，本片一共动用了2000名演员，甚至有三个交响乐团的现场演出，动辄是音乐会、宫廷舞会的大场景，我真是怀疑索科洛夫怎么把这些镜头给调度过来的，时间这么长，场面又这么复杂，而且一会儿历史一会儿现实的天马行空，哪里出一点纰漏岂不是整部影片都得重来？不得不佩服索科洛夫，每一个镜头都安排得如此井井有条。而且他聪明的采用了主观视角的拍摄方式，并且那位法国外交官始终像向导一样在前面引导着摄像机，两相结合，就使得镜头的前后变化有了很强的逻辑性，从而有效的减轻了观众的理解难度。我想，如果把《俄罗斯方舟》成为二十一世纪初最伟大的一次影像实验，应当不会有人表示异议，不然，你自己去隐士庐博物馆里转一圈试试看。
片名：空房间 3 Iron
出品地：韩国
导演：金基德 Kim Ki-duk
年份：2004
泰石是一个无所事事的青年，他每天骑着摩托车挨家挨户发传单，他把传单塞入钥匙孔中，如果过了几天这个传单还没有被人拿掉，泰石就会撬开锁进去小住一段时间，在那里做饭洗澡，作为交换，他会把房子里破损的电器修理好，替人家把脏衣服洗干净。一天，泰石在一所空房间里看到了一位浑身青肿的女人。这个名叫善花的女人由于丈夫的偏执和近乎变态的占有欲，已经被折磨得奄奄一息。出于对善花的同情，泰石打伤了善花的丈夫，和善花共同开始了送传单的快乐生涯，可惜好景不长，泰石被投进了监狱，善花被迫又回到了她丈夫身边。在狱中的泰石苦练“隐身功”，出狱后又来到善花家，与善花及其丈夫一起过着一种奇特的三角生活……以上就是《空房间》的故事内容，据说灵感来自导演金基德看到邻居家的钥匙孔里塞着传单，他觉得一直没人来取传单的房子一定没人住，于是构思出了这个故事。影片把金基德简约、情感囿于内心不外露的表达方式发挥到了极致，本片的对白少得可怜，男主角从头到尾一言不发，女主角在全片中也只是有“啊”、“我爱你”和“吃饭了”三句对白，在当下的电影环境中，采取如此少对白的处理方法，无疑是一次极大的冒险。在这个快餐文化泛滥的时代，既没有动作又没有对白的影片99%的可能是被观众“用脚投票”，最终沦为廉价的DVD制品和少数文艺青年的自娱自乐，但金基德成功了，本片不仅为他带来了一只小金狮，也在电影市场上取得了不俗的票房。而本片的英文译名《3 Iron》是一种高尔夫球杆的名字，在片中泰石正是拿着这种球杆打伤了对善花施暴的丈夫，同时，3 Iron也是一种较少人使用的高尔夫球球杆，因其较一般球杆长，导致打击时的倾斜度相对较低，难以瞄准入洞。金基德对此做了很有趣的解释，他说很多人买了三号球杆，却只知道放在名贵的高尔夫球皮革袋里而从不被选用，那种孤独感就好像哪些被遗弃的人或被空置的房子一样。
片名：懦夫跪下 Cowards Bend The Knee
出品地：加拿大
导演：盖·马丁 Guy Maddin
年份：2003
看《懦夫跪下》的过程简直是一次惨不忍睹的历程：昏暗模糊的黑白影像，用晃动的没有对准焦距的镜头拍摄的场景，既没有对白也没有现场音效的声音，剧中人的对话都是用字幕作为单帧画面跟在有对白画面的后面，一切都像极了电影刚诞生时默片的样子，这导致我一度认为我看到了一部七十年前的电影，但仔细看看影片说明，竟然是拍摄于2003年，而且影片中出现了许多娴熟的特写与摇臂镜头，剧中人物的化妆也没有出现脸上涂满白粉的高光，而这两者足以证明这确实是今人有意模仿前人的“伪作”。说实话，本片可能是在形式上走得最极端的影片之一，导演对技术的蔑视和解构显而易见，我不是很能理解导演的这种做法，在我看来，精心摄制的镜头和与画面相配合的声音应当是电影最起码的要求，在电影技术已经充分发展的今天，有意的反技术而为之这一行为本身毫无意义，不过本片讲述的是上个世纪30年代的故事，使用这种“返祖”的电影手法倒是与影片的时代背景相吻合，给人以那个时代的纪录片的错觉。而影片讲述了一个冰球手暗恋一位亚裔美女，那位美女则思念着自己的父亲，最后当她发现父亲的手移植到了冰球手的身上，她开始发疯的迷恋那只已变成蓝色的手——当然，黑白胶片不能表现颜色，这些都是通过字幕来说明的。
片名：兰陵王
出品地：中国
导演：胡雪桦
年份：1995
《兰陵王》是一次艺术题材作为商业电影的尝试，虽然这次成功不是那么成功，但其原因不应该完全归咎于影片本身，谁都知道，那个时代的中国电影大环境实在是差强人意。《兰陵王》的故事本身来自于一部舞台剧，讲述的是远古时期中国西南地区一个原始部落的故事，部落的女首领有个年轻英俊的儿子叫兰陵，姑娘们都喜欢他，而部落附近的黑鹰族人凶悍毒辣，经过一次惨烈的战争，黑鹰族人征服了兰陵的部落，为了保住男人的性命，部落的女子都献出了自己的贞操。经过这场羞辱，兰陵羞愤难当，他戴上面具，变成了人见人怕的杀人魔王，虽然黑鹰族被他消灭，但本部落人也被他肆意的蹂躏，最后，还是母亲用自己的鲜血唤醒了儿子的良心。故事是很商业化的善恶决斗的故事，人物的处理也有我国北宋时名将狄青的影子，但由于脱胎自舞台剧，影片人物动作的舞蹈味很浓，特别是扮演兰陵王母亲的杨丽萍，她的几场戏给全片打上了深刻的舞台剧的烙印。本剧也是百老汇的金牌剧目之一，片中兰陵王的扮演者正是百老汇同名舞台剧主角的扮演者洛伦佐·卡伦德，洋演员的加入也给这部讲中国历史的影片带来了异域风情，而影片最独特之处还是其中的对白：如果不看字幕的话，全世界没有人听得懂剧中人说的话。因为剧中人所用的语言是导演胡雪桦创造出来的“部落语言”，在现实生活乃至历史中都不曾存在过，所以，每次排戏前，演员都要酝酿好一段时间，以保证叽哩哇啦的毫无意义的“语言”既流畅又不会影像他们的表演。这种极端的语言处理方式，也是中国电影史上的一绝了。
片名：蓝**lue
出品地：英国
导演：德雷克·贾曼 Derek Jarman
年份：1993
如果你不了解这部影片的背景，那你一定会在影片开演不久就起身离去。5分钟，10分钟，到15分钟还没走，那你一定是导演请来的托了。很简单，没人能忍受这么一部所谓的电影——画面上只有一片蓝色，从头到尾76分钟，蓝色，还是蓝色，跟《蓝色》比起来，所有的先锋实验电影都黯然失色了，你还能极端到哪里去？除非你把放映机关掉，事实上，《蓝色》已经抵达电影的底线了，已经没有人能在这部电影的基础上做哪怕是一丁点的减法而还能将其称之为“电影”。不过贾曼这么做并不是哗众取宠，这位上世纪英国最重要的前卫艺术家、画家、剧作家、诗人和电影导演，一直以来都行走在电影艺术的最前端，他的同性恋身份和他对此身份的捍卫成为他作品中最常表达的主题，当然，这也是他被主流社会排斥的原因。不过，相对于他往常的激愤冲动而言，《蓝色》却是一部返朴归真之作，拍摄这部作品时，贾曼已经身患艾滋病，由于病毒的侵蚀，他的双眼几近失明。就是在这样的情况下，贾曼完成了《蓝色》。影片虽然画面简单至极，但声音却并不单调：海浪声、医院的嘈杂声、病人的呻吟声……贾曼生命尽头的声音，在《蓝色》中悉数呈现。对贾曼而言，那一片深浅不一的蓝，是宇宙的蓝，解脱的蓝……当然，对我而言，还是钞票的花花绿绿更管用。
片名：去年在马里昂巴 Last Year At Marienbad
出品地：法国
导演：阿伦·雷乃 Alain Resnais
年份：1961
时至今日，《去年在马里昂巴》已成为艺术电影的精华，这部“左岸电影”的代表作，已经在世界电影史上奠定了不可磨灭的经典地位。整部影片好似一个褪了色的梦，所有的场景都发生在一个类似大饭店的巴洛克式建筑里。人物没有名字，只有X、Y等等这些代号，故事的线索也很模糊：女主角一直遇到一个男子，男子反复告诉他，他们去年曾经在一个名叫“马里昂巴”的地方相遇，并且约定今年一同出走。女主角对男子的这番表白很是怀疑，因为她对这个所谓的约定一点印象也没有了。但耐不住男子一再的坚持，女主角也开始动摇了，究竟是走是留，她也拿不定主意……《去年在马里昂巴》的成功可能再也无法重复了，从电影本身的叙事功能来看，已经达到了一个极端：影片的故事位于逻辑理性的边缘，如果再虚幻一点，那就完全搅成了成了一锅粥，只是影像片段的**，不能称之为电影了。但阿伦·雷乃正是恰到好处的把握了分寸，让影片在艺术价值、观众的接受和实验性的电影手法上达到了奇妙的平衡。从这个意义上来说，《去年在马里昂巴》算得上最富有价值的一部极端电影。
片名：哲姆洛克 Themroc
出品地：法国
导演：克劳德·法拉尔多 Claude Faraldo
年份：1973
哲姆洛克是一个整日做着单调、乏味工作的工人，他总是衣衫不整，对自己所过生活也早已牢骚满腹。一天，哲姆洛克又去上班，但他看到了经理与女秘书的偷情，于是老板叫他去办公室训话，但此举却引爆了哲姆洛克的情绪，哲姆洛克在办公室里大砸大摔，当即辞掉了工作，并且对家庭也弃置不顾，跑到山洞里过起了穴居生活。哲姆洛克的举动似乎有传染效应，很快街区上的居民都开始模仿他，媒体和**也随即赶到，但哲姆洛克不为所动，他坚守在洞穴里，与自己的妹妹还发生了**关系，并且在片尾还烹饪了一个**与邻居们分食。已无须我多言，看到这些内容，你已经可以想象这是多么极端的一部电影，从意识形态上看，《哲姆洛克》是标准的无政府主义电影，片中反映的极端情绪正是1970年代无政府思潮的大宣泄，剧中人厌恶千篇一律的生活，并将此归咎于国家机器和资本主义的生产方式，他们的反抗举动是滑稽可笑的，而且，说实话，不会有什么实际效果，但是在当时的环境下，这群激进的知识分子也只能有这种自发的反抗方式，他们根本无法彻底摆脱他们的赖以生存的生活基础，种种苦闷情绪反映在电影里，就成了《哲姆洛克》里的故事情节。与此同时，导演法拉尔多也放弃了语言的使用，片中人物的对话都是咕哝、号叫或者是无意义的胡言乱语，整部影片没有一句能让人听懂的话。
片名：石榴的颜色 The Color Of Pomegranates
出品地：亚美尼亚
导演：谢尔盖·帕拉杰诺夫 Sergei Paradjanov
年份：1969
影片的主人公是18世纪亚美尼亚一位名为萨耶特·诺瓦的游吟诗人的故事，诺瓦（Nova）是亚美尼亚人的尊称，意思是“歌王”，萨耶特一生游历了高加索诸国，后来与格鲁吉亚公主相爱，却被国王下令放逐，最终成为一名僧侣，在寺院里度过了余生。帕拉杰诺夫这部影片没有直接的描述诗人的生平，而是从诗人的精神世界入手，力图向观众们展现出诗人的精神版图。从结构上看，全片共有八个篇章：从诗人的童年时期、诗人的游历，直到诗人的死亡，中间还夹杂着狩猎婚礼与葬礼的仪式、奢华的宗教祭仪，以及大主教之死等。摄影机一般都固定在一个平视的角度，而且刻意的拒绝景深和蒙太奇，令影片的每个画面、构图都是平面化的。若要在片中寻找连贯的叙事是徒劳的。每一个影像都充满了隐喻性，与诗的文字相互映照，有如一则则谜语。男主角与他的爱人都由同一演员扮演，人物的动作犹如木偶，而所有的动作都是日常性的，如挽纱、织布、祈祷、宰羊、狩猎等。这些动作呈现缓慢、富节律性的韵律，仿佛舞台上呈现的木偶戏，又如一场场祭坛上的仪式。而所有人物的表情含蓄静默，两眼睁开而不注视，仿佛被某种魔咒催眠，又像在梦游一般。而日常生活中的物品，如：地毯、花瓶、刀、洋娃娃、盘子等，也都含有了丰富的象征意义。总之，影片从头到尾都是一幅幅精美的画谜，没有语言，也没有逻辑性的动作。如果你试图解读这部影片，那无疑是荒谬的想法，这本身就是一部多意性的电影，不可能用单一的猜谜语的形式来理解。用句中国人自己的话来说，叫“只能意会，不可言传”。
片名：机械芭蕾 Ballet Mécanique
出品地：法国
导演：费南德·雷杰 Fernand Léger
年份：1924
这部电影是上世纪早年达达主义的代表作，所谓“达达主义”是1916年兴起于瑞士苏黎世的艺术运动。达达主义者运用幽默、无理性和几近疯狂的手法，企图撕毁业已形成的传统价值。达达主义电影不重故事逻辑，讲究自由、即兴、粗糙、有趣的技法及内容，反对电影传承文学戏剧的叙述传统，而强调运用电影本身的特性。《机械芭蕾》的导演之一雷杰本人就是著名的达达主义画家，他在这部电影中汪洋恣肆的挥洒了自己的艺术才能，以次来讲述他对舞蹈的理解。影片由一幕幕的舞蹈组成，而完成舞蹈动作的都是无生命的机械，虽然也有人物的出现，但人物也是被当作无生命的物体被编排进了舞蹈动作中。坦率的说，《机械芭蕾》的出现实际得益于当时电影还处于幼年时期的事实，当时的电影更多的被艺术家们利用当作了纯艺术的表达工具，艺术家们不用面对强大的商业压力，也造就了当时电影呈现多种面目的可能性。用时下的眼光来看，《机械芭蕾》更像是一部MV，只不过音乐是交响岳，而内容是机械的舞蹈罢了。我想，这种极端方式的电影可能真的是昙花一现，当电影越来越多的被商业控制，我们再也无法容忍艺术家们不计后果的在电影中表达他们的想象力了。
片名：天生杀人狂 Natural Born Killers
出品地：美国
导演：奥立弗·斯通 Oliver Stone
年份：1994
与那些只追求满屏幕都是血浆效果的B级片不同，《天生杀人狂》其实是一部令人有些费解的电影，这点首先是因为影片的摄影手法：大量黑白镜头与彩色镜头快速的剪切，而且这些剪切大都无规律可寻。摄影机也丝毫不尊重观众的欣赏习惯，画面大部分是倾斜的，看久了难免有点眩晕。斯通还肆无忌惮的穿插进了许多闪回镜头、纪录片片段、肥皂剧、电视综艺节目以及一些天知道是什么东西的影像片段，剧中人在这些桥段中以各种方式亮相，如果你没有超强的逻辑能力，恐怕很难初看此片就能完全理解。当然，影片的基本叙事线索还是有章可循的，就是讲一对青年情侣游历美国，一路上草菅人命、杀人如麻的故事，最后他们被抓进监狱，却掀起了一次成功的监狱暴动，逃脱法网过起了其乐融融的家庭生活。本片故事出自昆汀·塔伦蒂诺的手笔，那种对极端暴力的赤裸裸的描写，夹杂着塔伦蒂诺特有的黑色幽默，多少减弱了一点影片的血腥色彩。事实上，《天生杀人狂》可以看作是对美国社会弊病的一次大暴露，两位主人公之所以走上杀人越货的不归路，还是因为家庭暴力、性骚扰、孤独这些当代美国社会挥之不去的伤疤。从这个意义来讲，倒并不是他们个人的过错，所以，在影片的最后，斯通给了他们一个光明的尾巴——虽然不乏黑色幽默色彩。片名：打嗝 Hukkle
出品地：匈牙利
导演：乔治·帕尔菲 Gy&rgy Pálfi
年份：2002
我总觉得《打嗝》有一种不可名状的魔幻色彩，虽然这部电影既没有对白也没有明确的故事情节，这反倒让我感到了有一种祭祀般的仪式感。片中那位和蔼可亲的切克立克大叔就那样静静的坐在自己木屋前的长椅上，看着眼前时光流逝、白云苍狗，时不时的打一个清脆的饱嗝。从老人家干瘪的脸上看不到任何表情，只是偶尔会流露出一丝神秘莫测的笑意，在切克立克大叔的注视下，这个小山村又开始了新的一天：一个卡车司机暗恋上一位牧羊女，他暗中监视着自己的心上人；一个男人和一个女人得意洋洋地看着他们的良种猪交配；一个老太婆在准备晚餐；一只蜘蛛在结网；一株小草缀满了露珠，引来昆虫盘旋；一群人在酒馆里大声吵闹……一切看起来都安静祥和，然而平静下面隐藏着暗流：湖底发现了一具尸体，**赶来调查。不一会儿，他们带走了嫌犯，一切又重归于平静。面对这样一部影片，其实任何语言都是多余的，我相信只要你静下心去欣赏，就会体会到导演帕尔菲给我们所带来的先知般的体验。你在银幕以外，像银幕内的切克立克大叔一样注视着人们的生活，注视着他们的生老病死、喜怒哀乐，无须语言，无需故事，我想，这应该是最接近于神的感觉。当然，如果你觉得无聊，那就尽早的起身离去吧，《打嗝》不需要你这样的俗人捧场。
片名：“豚鼠”系列 Guinea Pig Series
出品地：日本
导演：日野日出志 等Hideshi Hino etc.
“豚鼠”系列电影是上世纪80年代末到90年代初以日野日出志为代表的一批日本地下实验电影工作者所拍摄的6部恐怖电影的全称，分别是《恶魔试验》（Devil’s Experiment,1985）、《血肉之花》（Flower Of Flesh And Blood, 1985）、《不死人》（He Never Dies,1986）、《下水道人鱼》（Mermaid In A Manhole）、《圣母机器人》（Androids Of The Notre Dame,1988）和《恶魔女医》（Devil Women Doctor,1990），影片长度自43分钟至65分钟不等，其内容以极度血腥残忍著称，前三部都是赤裸裸的虐杀和自虐的影像，纯粹是极端的感观刺激，谈不上什么思想意义。而《下水道人鱼》讲述了一个画家和一条在下水道里发现的腐烂的人鱼之间的故事；《圣母机器人》则讲述了一个侏儒科学家用活人实验得到的器官来挽救身患绝症的姐姐，却被他的姐姐回绝的故事。这两部故事都探讨了现代工业文明对人性的异化问题。最后一部《恶魔女医》相对温和些，把一系列血腥却不失幽默的猎奇性小故事组合成章，完成了《豚鼠》系列的封山之作。该系列影片完成后引起极大争议，不仅在全世界所有国家都被禁止公映，而且因为拍摄得真实，还被FBI调查拍摄过程——当然，最后的结果证明一切都是假的，这也让“豚鼠”的名声不胫而走，以录像带和DVD的形式广为流传，并为后来许多著名的恐怖电影所模仿，其故弄玄虚的宣传策略更是为众多低成本恐怖片开拓了新的市场思路。
片名：力王
出品地：中国香港
导演：蓝乃才
年份：1991
女友被贩毒团伙杀害，力王发誓要为女友报仇，纵使身陷囹圄，也毫不畏惧，用满身的功夫杀出了一条血路。这就是《力王》的故事情节，本片改编自日本漫画，动作夸张，例如力王可以用赤手空拳崩开十几米高的水泥墙，也可以变身将身体的尺寸扩张好几倍。而力王的对手也是稀奇古怪，很多都是类似于怪兽的人物，这些怪兽人个个力大无穷，都是由监狱长所豢养，他们不断的被监狱长派出，意图阻止力王的复仇。总的来说，整个监狱就好像一个小社会，监狱长好似皇帝，各级管理者就是奴隶主，而囚徒就是奴隶。由此，力王在监狱里的复仇过程也像极了一个反抗极权统治、争取自由人格的过程。《力王》最让人过目不忘的特色还在于那些极端的暴力场景，动辄肠穿肚烂、血肉横飞的镜头，也是华语电影中的极致了。力王本人通常都是浑身血浆，挂着敌人的肠子肚子来作战的，看久了也难免有些不适。片中头破血流、残肢断臂实属小菜一碟，一拳打透躯干、眼球被拳力震出眼眶，拉出肠子当绞索、筋折了自己用牙齿帮手打个结儿接上、脑浆在碎裂的颅骨中摇荡…… 等等等等，不一而足，而最后力王把监狱长摁倒在搅肉机里搅碎，更是把这一场血肉游戏退到了视觉的顶峰。不过本片的特级效果稍差，塑胶模型的痕迹很明显，原以为是香港电影人技术水平达不到，不过现在想想，这也可能是导演有意为之，毕竟这样可以降低影片的恶心程度，更容易被中国观众接受吧。
片名：困惑的浪漫1、2 Nekromantik I、II
出品地：德国
导演：荣格·布特格雷特 J&rg Buttgereit
在我没看过此片以前，就已经对其有所耳闻。许多人评论它是电影史上“最恶心、最龌龊、最变态”的电影，一连串的“最”字看下去，倒真有些心惊肉跳的感觉。看过之后方才明白，没错，从影片内容对观众感官刺激的程度来看，《困惑的浪漫》的确是登峰造极之作，但这并不能掩盖导演严肃的主题思考和明确的艺术追求，为了表明该片不是无聊的感官刺激游戏，导演布特格雷特地在每集的开头各加了一句话，第一集写的是：“难道人非得吃掉其他的生物才能生存吗？”第二集则是：“我要支配一切！”从该系列两部影片的内容上看，似乎这两句话都是两部影片的主题。从内容上看，这是一部纠缠于尸体、死亡和性之间的片子，片中的男女主角是一对恋尸癖，家中收藏着各种各样丑陋不堪的尸体器官，影片里也处处都洋溢着死亡的味道和意象。而且他们的性欲还必须与尸体联系起来才能得到释放，因此流着粘稠液体的腐尸总是会被两位主角弄到床上去……值得指出的是，所谓“恋尸癖”听起来好像很恶心，但在弗洛伊德的心理学体系里却是一个经常使用的概念，在电影心理学上也是司空见惯，如果朋友们有兴趣，不妨找点资料看看，这样也可以更好的理解影片的内容。我们必须牢记，恋尸癖在这里只是导演的一个手段而已，并非目的。
片名：一条安达鲁狗 Un Chien Andalou
出品地：西班牙
导演：路易斯·布努埃尔 Luis Bu&uel
年份：1928
一个人的眼睛被剃刀割开（号称“电影史上最残酷的镜头”），一个男人拖着一架钢琴，两个主教和两个腐烂的死驴穿过房间，一大群蚂蚁从手掌上的洞中涌出……如果提到这些镜头，你还不能想起这是出自《一条安达鲁狗》的话，那你实在算不上一个资深的影迷。在电影史上，本片被公认为是最有影响力的作品之一，“因其率先运用了象征、省略的影像和印象主义的剪辑技巧”（《电影元素》）。本片只有24分钟，通篇看来也不具备完整的情节，而更像是梦境——事实上，这部电影正是来自导演布努埃尔和编剧萨尔瓦多·达利的梦：那时候布努艾尔住在达利家，有一天他们同时做了一个奇怪的梦，布努艾尔梦见的是一片乌云把月亮遮住，那个过程很像一把剃刀把眼珠划开一样。而达利梦见的是一只爬满了蚂蚁的手掌，由于他们的梦就有了世界电影史上这部超现实主义的经典之作。即使放在今天，《一条安达鲁狗》仍然是相当具有实验意识的，这种超现实主义的极端风格几乎没有人能够模仿。且不说电影大师布努埃尔的才华无人可及，就算有了布努埃尔式的天才，但缺乏达利这样伟大的艺术家来配合，还是无法拿出跟本片类似的作品。《一条安达鲁狗》不仅是超现实主义梦境的阐释，也是对极端压抑的个人情绪的摹写，这种情绪是如此的强烈，以致于男主角比埃尔·巴茄夫在演完这部短片后在很长一段时间里无法自拔，很快就自杀告别了人世。
片名：群尸玩过界 Braindead
出品地：新西兰
导演：彼得·杰克逊 Peter Jackson
年份：1992
我看《群尸玩过界》那会儿，还没有《指环王》和《金刚》，所以我只看了一半就看不下去了，要是当时的彼得有现在的名气，我无论如何硬着头皮也要看完的。现在这样一位在好莱坞呼风唤雨的实权人物，当年竟然能在新西兰炮制出这么一堆令人头皮发麻的东西来，其转变过程和好莱坞的用人标准实在是耐人寻味。当然，由于彼得的大器晚成，本片已经被无数的影碟店从箱子里翻出来重新上架，也成为目前最受人关注的Cult电影之一，自然，在极端电影的领域，本片也算得上是观众群最高的了。影片中那位邪恶变态的母亲形象，也成为无数青少年影迷的梦魇。而那位面对一众僵尸毫不畏惧的主人公，可能也带着几分彼得自己的精神特质吧。值得一提的是，虽然片中恶心、血腥的镜头居多，但也不乏幽默感，譬如那沱长着眼睛、满屋滴溜乱转的直肠，就在我心中留下了难以磨灭的深刻印象——好了，不说了，待会儿还要吃饭呢。
片名：夺魂索 Rope
出品地：美国
导演：阿尔弗雷德·希区柯克 Alfred Hitchcock
年份：1948
商业电影看得多了，在观众心中都形成了公式：紧张气氛＝快速剪切。一旦有恐怖惊悚的场景，那大家都期待着眼花缭乱的镜头转换，要不然就是冷不丁冒出来吓唬你一下子，缺了这两招，现在的导演几乎都不会拍惊悚片了。但惊悚片大师希区柯克告诉我们：长镜头同样可以营造收夺人心魄、一波未平一波又起的紧张氛围，如果你调控得当，甚至比那些所谓的蒙太奇技法更加效果显著。而这一切答案，就都写在《夺魂索》里。这部作品是希区柯克的独立制作，也是大师的第一部彩色电影。但色彩的出现并没有让大师醉心于花哨的镜头技巧，反而一反常态的玩起了长镜头。通常来说，长镜头都是那些沉闷的所谓艺术电影的钟爱，跟一部商业惊悚片是在很难让人联系起来。但希区柯克就是这么厉害，从头到尾，在观众看来，《夺魂索》只出现了一个完整的镜头。当然，在剪辑上是有镜头的切分，但希区柯克采用了演员身体逐渐占满整个画面然后拉开等小技巧，使得镜头间的衔接在银幕上呈现了天衣无缝的效果。而这种手法的运用与影片的故事也是配合得相得益彰，影片讲述了两个年轻人杀人藏尸的故事，而剧中那一段他们把尸体藏在宴会桌下的箱子里，并且面不改色的大宴宾客的场景，更是全片的高潮所在。在希区柯克操控下的镜头自由的游走在桌上桌下，细微的捕捉着当事人脸色的变化，绵长的镜头感更突出了那种让人窒息的紧张气氛，时至今日，这种惊悚片中成功的极端长镜头使用，还只在《夺魂索》中有过这一例，既是前无古人，亦是后无来者。
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