做师的小伙伴们都知道，UI确实需要一定的手绘能力，但是跟画画是有很大不同的。很多人准备学UI设计的小伙伴会问：学UI需不需要手绘能力。或者学UI需要什么绘画基础。下面小编就来和大家说一说，UI设计师需要什么样的美术能力。

我们先来看一下跟绘画有关系的行业：

主要的不是绘画能力，更重分镜头，叙事能力，脚本编写能力，很多画的不好，但是依然存活很多年的漫画还真就不少，甚至可以证明，绘画能力的底线可以很低。

虽然工作内容是在画画，但是游戏世界观多数都是架空世界观，历史以及文明的视觉搭建。所以对历史符号，架空世界观，产品类型，研发流程实现等行业知识更重要。

跟游戏差不多，但是你设计出来的东西的能实现。场景，道具，服装，你的对施工，材料，拍摄效果，后期等相关知识得有足够了解。

简单说了，几个行业，我想说的是，那些看起来都是画画的工作，其实绘画只是表达手段。是最最基础的一个职业技能。但是并不是主要的职业需求。

UI也一样，绘制能力是表达手段，基础需求，只是工作里的一小部分。

在所有这些跟绘画有关系的行业里，绘画是为行业目的服务的，所以，所需要的美术基础也绝不相同。

所以千万不要把跟绘画有关的行业一概而论，理解为艺术行业。跟绘画有关的行业多数都是商业行为，商业行为下，艺术这个词就褒贬不一了。

在聊美术需求以前，我们先来聊一个跟绘画有密切关系的东西：素描

多数想要学习绘画的人貌似第一个能了解到的绘画方式就是素描。。。。。。

具象化超写实素描：像照相机一样的去画画，比照相机更主观，大量细节往往令人印象深刻。

表现性素描：你大致分清楚绘画内容，但是表现素描里多参杂更多情感宣泄。

抽象素描：你基本已经很难分清楚绘画内容了，抽象素描更倾向于情绪表达。

其他很多素描形式就不一一列举了。我们做ui需要这种绘画能力么?肯定不是!我们回头来看一下，为什么会有素描这种绘画形式?你能找到的所有的历史名画，都有一个共同的特性：就是都有颜色。

在普通人的印象里，画家都是很牛逼的无敌存在，画一张这样的画，你别管他花多久，都是一次搞定!

其实不是的!不是所有人，都直接有能力在大脑中完成创作，直接绘画的。

任何你看到的一张完整作品背后，都有可能有十几张，几十张，上百张的小稿。素描是一种最节省资源的研习方式，因为你可以排除掉颜色的干扰，甚至排除掉，构图，等一系列的多余因素，去有目的的研习作品元素。

素描的存在，其实是绘画的一个过程。因为你可以不用张张精品的去绘制完成。只需要明确你的目的，去快速熟悉，比对，选择。

聊到这里，主要目的是确立一个观念：作为UI设计人员，请把绘画能力当做一种辅助研习的手段，不要以其他行业绘画标准，去要求自己学习绘画，那会本末倒置，浪费大量的时间和精力。也确实没啥必要性。除非你打算转行，或者个人兴趣使然。

UI需要哪些绘画基础知识?

结构：物体占据空间的方式。

一般设计行业的素描都是结构素描。结构的重要性不言而喻。

为什么素描要从几何图形画起?原因就是够简单。当你去处理一个复杂图形的时候，把它拆解成简单的几何图形最容易理解，和控制。

我们是在二维世界里，去表现三维世界的空间，所以理解了结构，就能理解很多其他东西。

光是一个永远的存在，影响光的因素，其实就是结构，其次是材质对光的反射比例。

肯定也需要学习和了解透视原理。因为今天这部分不是讲解美术基础，所以只能做简单介绍

常规透视：基础透视原理

平行透视：其实是平面设计行业用的最多的透视方式，不用考虑灭点形变之类的因素。

视觉透视：人的视觉是有生理误差了，所以感官上来讲，很多透视都做了相应的修改，以适应人眼的观看方式。

变形透视：特殊目的下，会使用变形透视，比如，你的手机其实并不是水平于你的眼睛的。很多时候都会有倾斜。的时候，根据目的也会做相应的调整。

色彩是一个可以单独拿出来说事的知识：色彩是视觉引导，情绪引导，观感控制的一个重要手段。

很多人都觉得色彩是很难掌握的一个能力，其实也不用太担心，因为有大量的现成的色彩构成，与色表等可以参考。在不能主观去使用的时候，至少学会收集色表，和根据需求使用它们。

因为无论是绘画还是做ui，我们看到的内容都是有边界的，既然有边界，就要安排主要内容的位置。对于影视产品来说，就是镜头感。对于UI来说，就是观看舒适度，和操作舒适度。

一个ui有绘画能力的好处

第一：就是你可以短时间，高效率的方式，快速尝试设计和比对。大大提高工作效率

第二：就是你绘画越熟练，你真的时工作效率越高。因为你对透视，结构，光原理，光色，的熟练，可以让你快速拆解你眼睛所见的一切事物，然后去根据需求改变和重新组合它们。

很多时候手绘是一种不可替代的存在

我重新审视一下绘画知识和UI的关系：

结构：没有任何东西是没有厚度的，哪怕是扁平化设计，很多也都有厚度

透视：结构的变形一定会在透视的框架下!

光原理：能够理解结构，就能够自由控制光源。

构图：其实是UI工作使用最频繁的原理，布局永远是整体控制的关键。

色彩原理：无处不在，无法忽略。

无论你做任何绘画练习，请一定要明确你绘画的目的。画画这个事情其实就是一个量的积累，哪怕你没有因为绘画而提高设计能力，但是长期保持绘画习惯，绝对大大提高你的设计效率是真的。

其实就国内各行各业来看，其实没有哪个职位是工作内容范定的特别精准的。特别是一些小公司。除了UI本职工作以外，动画，特效，场景元件，角色切片，也都有可能遇到。手绘能力可以让UI职位锦上添花，拥有更强的适应力，更高的工作效率。也有更多横向扩展职业能力的机会。

所以推荐多少都应该具备一些手绘能力。以及相关的绘画知识。

最后我想说的就是，以绘画的方法去【理解】视觉上的世界是一个很好的方式，也可以去尝试绘画，但是请明确你做这个事情的目的。不要为了画画而画画。

以上就是小编今天跟大家分享的UI设计师需要具备什么样的美术能力。希望这篇文章能够对想当的你有所帮助。愿你不断努力不断进步成为一名优秀的平面设计师。

　　初级淘宝美工，网页设计师和美工的区别是什么

　　很多做设计的人，自己都认为设计师就是美工，美工就是设计师，难道还有什么区别?其实，两者在设计的经验上来区分，还是有很大的区别的。下面小编为大家分析一些网页设计和美工的区别，欢迎大家参与!

　　美工和网页设计有什么不一样

　　严格的说，美工的话，可以对设计理解不用很透彻，但是一定要会切片，而设计师，重点在视觉设计，如果你有深厚的网页视觉设计功底，你甚至不会切片也没关系。美工其实是一种初级职称，如果走设计路线的话，升级职称叫“网页(视觉)设计师”，走切片代码路线的话，升级职称叫“前端工程师”。

　　一、图形设计，即传统意义上的“美工”。不是单纯意义上美术工人的工作，而是软件产品的产品“外形”设计。

　　二、交互设计，主要在于设计软件的操作流程、树状结构、操作规范等。一个软件产品在编码之前需要做的就是交互设计，并且确立交互模型，交互规范。

　　三、用户测试/研究，这里所谓的“测试”，其目标是测试交互设计的合理性及图形设计的美观性，主要通过以目标用户问卷的形式衡量网页设计的合理性。 美工：熟悉Dreamweaver(页面布局)、FLASH(页面动画)、PHOTOSHOP(页面图片)这几个软件就好网页设计和美工的区别网页设计和美工的区别。基础网页方面，HTML是必懂的，CSS刚开始可以不懂，因为可以借助软件，但这个也是必懂项目。 程序：软件方面：这个不同程序用不同软件编写都不一样的。

　　网页设计师与美工区别

　　误区一：设计师就是美工网页设计和美工的区别。事实上，两者几乎完全不同，设计师存在主观因素上的设计，而美工很有可能只是被动执行。

　　误区二：用什么做图软件对设计师来说很重要。

　　其实设计师对做图软件没有什么严格要求，很多学习绘图软件很久的人习惯用photoshop来画页面，而更多专职面向网页设计的人习惯使用fireworks，因为其更偏网页化的操作能带来更高的效率。

　　误区三：做平面设计和网页设计其实是互通的。

　　虽然都是设计，但两者的很多设计规矩是不一样的，我认为两者 大的区别是思想上的区别：平面设计讲究留白和视觉冲击，而网页设计则寸土寸金，页面元素的整齐 协调更是至关重要的。

　　误区四：我改变不了领导和用户的需求。

　　设计师要做的只是提出自己对于设计上的看法，决定权仍然在于领导。

　　误区五：我经验不足，提不了任何建议

　　网页设计和美工的区别美工设计。

　　对设计师来说，了解需求也是很重要的，不光是需要读懂文档，更需要真正明白大家在做的是一个什么样的具体的东西，这样在动手操作的时候，才不会手足无措或者是理解偏差。

　　误区六：设计师直接出设计稿就行了，有问题就改。

　　设计师需要先搭建出UE模型，UE只需要以简单线框模式展现，效率高而且适合随时调整修改，往往在这个阶段需要修改的地方是很多的，如果直接就以设计稿来探讨，每修改一处都是一个工程，毫无效率可言。

　　误区七：每个页面都很重要，都要认真研究探讨。

　　其实大部分网站页面都是一样的框架，只是内容显示不同，同一个级别的页面基本都是一致的，除了关键页面之外，其他页面用户也许只是经过一次，停留时间甚至可以忽略，论优先级来说，同等效率下自然要关键页面。

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公众号：小叶老师聊艺术

画画是孩子表达的一种工具，一个点一条线都有其自身的意义，每个孩子天生都是会画画的。

而在我们的身边，许许多多的家长把孩子送进各类培训机构学习画画，接受绘画技巧的训练，画出各类好看却却千篇一律的作品。

对此，艺术教授叶森老师却认为，如果不了解艺术对于孩子是什么，随便教孩子画画，相当于是喂孩子毒药。

一起来看看小叶老师关于孩子画画的看法。

如同母乳喂养，辅食，再到主食，随着孩子身体的发育，同步匹配相应食物。

绘画，在心智成长过程中有着相同的规律可循。

举个例子，9岁，孩子能观察到人的动作，并画出来，有胳膊有腿有脖子，也能完全理解正面和侧面的区别。

但5岁，大多画的是没有身体的火柴人。

因为8-9岁，是分水岭，是从“感觉写实主义”到“视觉写实主义”的拐点。

简单说，小孩子，画的是自己的感觉。大孩子，画的是眼睛看到的东西。

这些规律细小而繁复，需要针对每一个孩子去观察、设计课程内容，方能满足“通过艺术激发孩子的想象力、创造力，养成良好观察力”的目的。

很可惜，大部分画班，做不到。

如雨后春笋般出现的各种绘画班创意班美术班

许多机构，教给三五岁的孩子们，画一样的形状，一样的填色，完成这些看起来色彩鲜艳，造型复杂的“作品”。

学艺术的目的到底是什么？

不同的孩子，画出的东西竟然一样。这怎么可能？

如此教法，如此画法，可以说，这样的美术老师，根本不理解，艺术对于孩子到底是什么。

画画不是目的，激发和养成才是目的。

这，就是喂孩子，毒药！

这，是对孩子创造力，想象力，未来能力的毁灭性破坏。

还能想起小时候，美术老师教给我们的简笔画么。

看起来可爱，萌，几笔一个小兔子，大太阳。但，这是我们成年人的思维，是“大人画给孩子的画”。

当孩子学会5笔画一个小兔子，他同时也失去了用眼睛，观察兔子的能力。

所以说，学习画画不是目的，画是教育的载体，是具体的术。保护和激发他们的创造力，保持对世界的好奇，养成良好的观察力，才是目的。

什么样的画，才是孩子应该画的？

画的不像是不是没有艺术天赋呢？

以后不当画家，也要学习画画吗？

我们回答了这些问题，也许，才知道孩子如何学习绘画。

几岁的小孩子，没有用语言充分表达自己的能力，更无法写出文章。绘画，成为了他在这几年当中，非常重要的表达途径。

他们用画画来表达自己的感受，讲述自己的发现，诉说自己的情绪。

所以，孩子的画是用来听，而不是用来看的。

从0岁到6岁，他成长的速度极快，短短几年中再现了人类从原始人到现代人的整个历程。

从最开始的随意涂抹，到开始画出圆和线，再到赋予这些图形意义从而获得语言，最后凭借印象、依靠想象去绘画。

他们一步一步，重走着人类文明发生之旅，最终成为一个完整的人。

毕加索说：“我能用很短的时间，就画的像一位大师，却要用一生，去学习画地像一个孩子。”

这不是谦虚和恭维的漂亮话，因为任何一个小孩子都拥有与生俱来的绘画能力。

3岁的孩子并不是6岁孩子的一半，3岁就是3岁，是一个有思考的独立个体，他看到的世界和你不一样，画的一定不一样。

成人永远无法再现3岁时候他看到的世界。

我们做父母的，做什么最重要？

最重要的是带着欣赏的快乐，去守护他们稍纵即逝的这种能力，给他们自由，自由的的绘画空间。

千万不要再教给孩子们，画我们觉得像的画了。

你永远无法教会一个孩子画画。画画这件事，没那么简单。

19世纪欧洲最重要的教育家之一，现代学前教育的鼻祖福禄贝尔说：“游戏是学习的最高境界，动手和绘画这些造型游戏是孩子最好的启蒙”。

人一生的教育，是从孩提时代的艺术教育开始。

这，不是培养个兴趣那么简单。

这，事关孩子的终身学习能力。

我们来看一看，画画这件事都需要什么能力：动手，眼睛，语言，情感。

绘画是按自己的意愿驱动双手。

这样的过程让孩子通过手的自由运动感受自己给这个世界带来了什么变化。

对，这是一种发现的乐趣。

如果你教给孩子画上面的那种简笔画，临摹那种画好的画，就是在剥夺这种乐趣，会永远抹煞他动手的愿望。

眼睛的作用是发现，观察，感觉。这也正是绘画最重要的目的——观察这个世界，然后表达。

法国风景画家柯罗在晚年的时候说过这样一句话：“我每天早上醒来的时候，都向上帝祈祷，让我像小孩一样天真的看世界”。

和画画相比，天真的看世界才是最要紧的，是为了获得自己的感觉。

如果把成人的感觉强加给孩子，结果就是他们不会再去观察，不会再有天真的眼睛。

最严重的，是对语言能力的灭顶打击。

记得我第一次看电视剧《神雕侠侣》，大失所望。切，这才不是金庸笔下那个秀美若仙、清丽绝俗的小龙女，才不是那个独孤求败、黯然销魂的杨过。

无论是陈晓、陈妍希、还是黄晓明、刘亦菲、任贤齐、吴倩莲，他们都不是，都不是我心中的神雕侠侣。

这就是语言的魅力，想象的魅力。

不恰当的用大人的认识去教给孩子画具体的形象，他们就不再对语言的可能性展开想象，是在否定想象力。

从语言的想象中，在脑海中幻化出形象的能力是需要培养的。

绘画，就是在训练和提高这种能力。

为了表达自己的情感、感动和观察而画的画，即使在绘画技巧上不成熟，一样能够碰触到看者的内心。

这种表达，也是孩子的一种满足。表达的满足，表达的乐趣，是艺术独有的审美愉悦和体验。

这就是绘画的唯一目的——让孩子体验、感受快乐。

说了这么多，那到底孩子应该怎么画？或者说，到底怎么教孩子画画？

想象，创造，玩耍，分享，反思

鸟居昭美先生是日本现代儿童早期绘画行为研究第一人，日本著名的教育家，也是一位画家。他明确的表述了孩子的年龄和孩子画画的大致规律：

1岁：感受手的运动轨迹，尽情的乱画。

2岁：眼睛追随手运动，开始赋予意义。

3岁：用圆圈和线条来画内容，来表达。

4岁：凭印象，人物除了头还有腿身体。

5岁：关注感兴趣的事，形成印象再画。

6岁：一条线做基准线，有秩序排排画。

7岁：有地平线概念，正侧背面的认识。

8岁：思维成熟，画出成人理解的画面。

9岁：转折点，追求眼睛看的真实世界。

你看，画画的过程，是多么复杂的探索。

在这样的探索过程中，我们无法猜测到会发生什么，会对他产生什么影响。

我们能做的，就是在不同的时期给予他们不同的鼓励，呵护和倾听，给他们创造自由思考的环境，让他们尽情享受在自己的绘画创作之中。

说的简单做起来难，我们父母哪懂怎么画画，怎么办？还不是送美术班培训班。

大多数人都有把孩子送美术班的经历。

回忆一下，当时的出发点是什么？怎么送他们去的，老师又是怎么教的？

做爸爸妈妈都很理智，没有谁是真希望孩子未来成为艺术家，或者以画画谋生。送孩子画画，说白了就是培养个兴趣，爱好，审美，拓展一下眼界，提高一下素养。

再简单点，别人家孩子都去了，咱也不能落下。

所以，大多也不会选那种应试、考级的传统画班，学什么素描啊油画之类。

而是会很谨慎的选择一些涂鸦、启蒙兴趣班，轻松愉悦自由自在的挺好。

但送去以后，事情变了，过程也变了。

举个例子，老师是美院毕业，科班出身，认真备课，有模有样的会讲三原色，讲什么是色环和对比色，讲线条的美。

然后，一次课画一幅画，老师做示范也有模有样，小孩子跟着老师一笔一画的更有模有样。

绘画班的小孩子画的东西

每个小朋友，都能拿回家一幅漂亮的画。色彩浓烈，造型童趣十足。

这样的涂鸦课看起来不错，和枯燥的画素描的确不一样，和简笔画更不一样。一个圈，一个三角，几笔就是一个鸭子。我们已经知道简笔画是有多可恨。

的确，这个结果很好看，看起来孩子有收获，这节课没白学，钱没白花。

因为只有这样的可量化标准，老师才物有所值，物尽其用。只有这样，作为家长的大人才不焦虑，你看我们孩子画的多好，漂亮。

艺术的过程，怎么能被量化？

凭什么要求孩子每次都要完成一幅完整的作品？

就是这个要求，这个结果，催生出今天畸形的美术训练教育。

艺术，是理解世界的途径

提到教育，不得不提一个词“成绩”，成绩观念已经无穷无尽，无孔不入，终于渗透到了艺术的世界。

让大量的培训班画班，训练孩子画出一幅幅，必须要完成的漂亮画。

这不是在培养孩子，这是在赤裸裸的抢劫孩子的天真和乐趣，在剥夺他们天真的看这个世界的机会，在把他们一步一步推向刻板和教条。

因为，他们从来没有让孩子去观察。

梵高的《星夜》没有一笔画成的五角星，也不是圆圆的月亮。

为什么如此的震撼着你我？

一定是他目光中看到的真实的世界，观察到的世界，才会有那么耀眼的星光和色彩，才会有如大海一样波涛汹涌的星空。

所以，梵高写给弟弟迪奥的信中写道：“当我画一个太阳，我希望人们感觉它在以惊人的速度旋转，正在发出骇人的光热巨浪。当我画一片麦田，我希望人们感觉到原子正朝着它们最后的成熟和绽放努力。当我画一棵苹果树，我希望人们能感觉到苹果里面的果汁正把苹果皮撑开，果核中的种子正在为结出果实奋进。当我画一个男人，我就要画出他滔滔的一生。如果生活中不再有某种无限的、深刻的、真实的东西，我不再眷恋人间。”

不是几笔画出来的鸭子和房子，不是涂色不要超过边界。是要通过绘画的过程，去观察身处的世界，用眼睛看到独一无二的细节。

艺术，让人能透过目光去理解世界。

目光里有神采，有坦然，有真实，有着一种精神的闪烁。

所以我恨简笔画，它剥夺了绘画的乐趣，把画画变成了毫无生命的背诵和训练。

所以我恨那些让孩子们画一样画的老师，因为他有一个很明确的目的：一节课完成一幅漂亮的画。这里强调的是漂亮的结果。

我很喜欢寺山修司的一句诗：眼泪是人能够造出的最小的海洋。

孩子首先是独立的人，是一片海洋，我们教育的唯一目的，是让他们学会观察这个世界，观察自己，成为独一无二的人。

好的艺术启蒙，是让孩子尽可能多的用自己的画笔，自己动手，体会到什么是线的力量，什么是面的表情，什么是体量感，什么是艺术中的节奏。

这需要每一堂课，每一个环节，老师要设计合适的讲解，互动，游戏，体验。要在给孩子自由的同时，懂得何时演示，何时提问，何时倾听，何时旁观，何时鼓励，何时介入。

每一堂课，都是艺术海洋中的一杯水。

不仅要让孩子喝一杯水，解渴，获得养分。

还要让孩子，看到水中大海的倒影，闻到大海里澎湃的味道。