人物摄影的最高境界是攫取一个人的灵魂
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摘要: 进入 21 世纪后，无论图片后期处理软件的兴起，还是数码相机和智能手机的普及都对传统摄影行业带来巨大冲击。我们不禁要问，如果人人都能成为 PS 大师，应该如何再来定义摄影？新生代摄影师的竞争力又在哪里？《外滩 ...
进入 21 世纪后，无论图片后期处理软件的兴起，还是数码相机和智能手机的普及都对传统摄影行业带来巨大冲击。我们不禁要问，如果人人都能成为 PS 大师，应该如何再来定义摄影？新生代摄影师的竞争力又在哪里？《外滩画报》邀请年轻的哈苏大师赛普通类大奖得主罗曼·热阿诺来探讨这些问题。《树林里的女驾驶员》在凭借一张《树林里的女驾驶员》获得2014年哈苏大师赛（Hasselblad Masters）普通类大奖前，1986 年出生的法国人罗曼·热阿诺（Roman Jehanno）已经被称为天才摄影师。他在获奖后的一组拓展作品《炼金术士》又被哈苏大师赛的评审团授予“最佳摄影专辑”的称号。翻开这本摄影专辑，我们可以看到比利时制琴师雅梭尼（Antoni Jassogne）笑容可掬的身影，也可以看到法国石雕专家玛塔尔（Didier Mattard）耍酷的样子，共同点在于人物都处于最自然的状态。热阿诺说：“我不会把摄影对象按在一个陌生的环境，都选择在工匠们最熟悉的环境中拍摄。”罗曼·热阿诺毕业于巴黎摄影名校戈布兰图像学院（Gobelins，L'Ecole de L'Image）。戈布兰的摄影系每年只招 30 多人，因此入学竞争非常激烈。毕业后，热阿诺成了一名自由摄影师，以商业项目的所得来资助自己的摄影计划。凭借对摄影的爱好和扎实的基本功，他在各种风格中游刃有余。他的镜头时而充满岁月的沧桑感，时而充斥着猛烈的未来气息。他总能把人物恰到好处地安置在场景中，也总能攫取每个人物最本能的表情。热阿诺在业内的知名度和他在社交网络的活跃度也不无关系。他不仅在网上和大众分享自己的摄影作品，还会在专业摄影网站上阐释自己的摄影理论，一直鼓吹“少即是多”——要拍好照片，必须少按快门。热阿诺坦言，自己和大多数 80 后一样，追过漫画和电玩，开始摄影后最初追求的是“美国大片”的效果。在玩腻了 PS 各种功能后，他迷上了胶片机，走起老路子。他说，他的偶像是已故美国纪实摄影师沃克·埃文斯（Walker Evans，），埃文斯镜头里的 1930 年代金融危机下农妇的照片给了他无限的启示，让他明白了摄影是一个探索人生意义的过程。以“炼金术士”命名摄影集，是因为热阿诺想把包括工匠在内的所有拍摄对象都包括进去，在他看来“炼金术士是个神奇的词，他们用自己的本领，提炼原材料的精华，像是魔术师”哈苏大师奖 Masters Award– Hasselblad两年举办一届，大赛共计 12 个分类。该奖项是基于对摄影师整体摄影能力、创意性、构图、作品感染力以及摄影技巧等各方面进行的综合评定。获奖人：罗曼·热阿诺 Roman Jehanno1986 年出生于法国，现居巴黎，自由摄影师，平时以商业项目来资助自己的摄影计划，喜欢在互联网上分享自己的照片和摄影理念。摄影师 罗曼·热阿诺B=《外滩画报》J=罗曼·热阿诺（Roman Jehanno）B：在摄影中，你最喜欢的是什么？J：起初，我对技术层面非常感兴趣，比如摄影的基本要素、构图；我会问自己，我需要这种光，我怎么去调。慢慢地，克服技术上的障碍已经无法给我带来满足感，我发现自己真正喜欢的是拍摄过程中的那些相遇。我开始关注摄影中人性的东西。对我而言，和摄影对象的交流甚至比摄影本身更重要。B：那你最喜欢的类型应该是肖像摄影吧？J：是啊，不止肖像摄影，还有风景摄影。当你站在壮丽的景观面前，你面对的不是别人，而是你自己。我不是很喜欢静物摄影，在摄影棚对着白色幕布拍啊拍的那种。B：你的获奖摄影专辑叫“炼金术士”，为什么取这个名字？J：“炼金术士”是想把所有拍摄对象都囊括进去，我拍的对象以工匠为主，但还有其他人，比如玻璃吹制师更像是艺术家，我还拍过厨师。炼金术士是个神奇的词，他们用自己的本领提炼原材料的精华，像是魔术师。B：为什么会选比利时著名小提琴制作师雅梭尼为拍摄对象？J：我在网上看到过他工作室的照片，瞬间觉得那不仅仅是一个工作室，而是一个有人性温暖的地方，这就是我潜意识想找的那种感觉。之所以选择比利时著名小提琴制琴师雅梭尼作为拍摄对象，因为热阿诺觉得他的工作室“是一个有人性温暖的地方”B：关于人物摄影，你的秘诀是什么？J：（笑）要对摄影对象充满兴趣吧。其实，和拍摄对象之间的沟通是必不可少的，我拍人物的时候，会和他们聊很久，我对他们的兴趣是发自内心的，这段沟通能在我们彼此之间建立一种关系，可以说是一种信任。我拍人的时候，一般用三角架，再用 10 几秒时间摆好相机，调整取景框和光线。然后闪到一边，一边跟摄影对象聊天，一边叫他看镜头。这个时候，对方看到的只有镜头本身，而不是摄影师。当我看到他最自然的状态出现时，就疾步走上去，按快门。我认为这样的拍摄方式更为温和，更符合逻辑，会拍出效果很好的照片。B：怎么才能拍出“很美”的照片？J：首先看你拍什么，你知道，光线是照片的基本特性。摄影首先是采光，所以拍照首先要去了解光线的走向。我比较幸运，在摄影学校接受了系统训练，因此这些技术层面的问题不会困扰到我。我认为，一旦跨越了技术的障碍，就应该考虑一些更深远的问题，比如美学。要拍出美的照片，你一定要丰富自己的艺术底蕴，去探究和摄影息息相关的基础艺术，比如绘画、雕塑。摄影确实已经诞生了好多年，但人类对世界的描绘存在得更久。B：你以前说过，要拍好照片，快门一定要按得少。能解释一下吗？J：这也许不是最好的方式，当然肯定不是最差的方式。（笑）这是我通过胶片摄影总结出的经验。因为过去胶片摄影是有耗材的，不可能像数码摄影一样，拍一张，扔掉 30 张。所以，在胶片摄影中，摄影师会考虑到成本，在构思和成像过程中会更加谨慎，也会考虑更多的问题。而这种思考恰恰就是生产好照片的过程。B：你现在主要用数码摄影还是胶片摄影？J：都有。我的获奖作品拍摄的器材是哈苏 h5-d60，数码的。我也用胶片机拍过一组黑白人物写真，叫《一小时一杯咖啡》。就是我和摄影对象一起喝一杯咖啡，然后一起找合适的拍摄地点。B：你怎么在很短的时间内取得拍摄对象的信任？J：做自己，尊重对方。人与人之间的初次联系是建立在信任上的，然后努力不要打破这种信任。我拍照片的时候，从来不会走到人家正面抓起相机就拍。我一般先从朋友圈里面挖对象，准备一些小纸条，上面写着“你愿意拍一张写真吗”。熟人的话，我会打电话预约时间；陌生人的话，我会解释一下我的用意，留个电话，等他们自己来联系我。B：你信不信创作灵感？J：相信，我觉得摄影还是一个靠本能反应的职业。B：你受过哪些摄影师的影响？J：奎葛瑞·库德森（Gregory Crewdson）、埃文·奥拉夫（Erwin Olaf）、桑德斯（August Sanders）、沃克·埃文斯（Walker Evans）。最初，库德森对我影响很大，尤其他在构图方面的技巧令我佩服。后来，我迷上了埃文斯。有两年，他拍的美国农妇的照片一直停留在我的脑海里，就像启示录一样。当时他奉命去拍摄美国西部底层劳动人民。你看那些照片，马上可以看出摄影师和摄影对象之间的纽带，也可以看出埃文斯对摄影对象充满了同情和怜悯。假如你观察他照片中的农妇的眼神，就可以知道她的生活状态、她受的苦。这也是我在摄影中想抓取的东西。B：这是人物摄影的最高境界吗？J：对。我曾经给一个妇女拍过一张照片，我问她拍得怎么样，她回答说，照片里面的我就像是一本敞开的书，我觉得这是我收到的最好的赞美。我想，最好的人物摄影应该是能攫取人物的灵魂。B：现在我们有 Photoshop，可以对照片进行后期处理，是否摄影师的生存状态更难了？J：确实。假如你下决心当医生，只要一心想着救死扶伤。但摄影不同，这个行业面临很大的挑战，尤其 Photoshop 出现后。所以，摄影师需要不断对自己的职业进行反思。B：摄影师的社会使命是什么？J：摄影师之所以成为摄影师，是想要为自己的人生意义寻找答案吧。B：你如何面对这个职业的挑战？J：我们应该清楚，摄影首先应该是一种爱好。如果你是富二代，那就不用考虑这些问题，潜心自己的爱好。如果你是普通人，也想把摄影当成终身职业，那你就要摆正位置，要对这个行业不那么理想化的一面有心理准备。你可能需要接一些商业摄影——两个月在白色幕布前对着不同的商品连续拍，又或者跟拍一些你根本不感兴趣的人物。摄影毕竟属于“文化娱乐”产业，在经济不景气的时候，很容易遭遇生存危机。我认为，职业摄影师和业余摄影师的根本区别不在于他们作品的高下，而在于他们是否把摄影当成谋生手段。B：你觉得摄影师是艺术家吗？J：这个问题是一个陷阱啊。摄影师是不是艺术家，决定于我们对艺术本身的定义，另外取决于我们对摄影的定义，摄影有好多种，有商业摄影、美食摄影、造型摄影……我到底是不是艺术家，我没有答案，我从高中开始思考到现在，几乎上升到哲学的高度了，这个问题本身就是个问题，也是值得辩论的。B：你有个人的摄影计划，也接商业的活，所以才遭遇身份认同的问题吗？J：我只能说，我喜欢摄影，喜欢人，但我也接商业摄影，因此我不能明确给自己贴上“艺术家”的标签。但我承认，我的前辈中，确实有很多优秀的艺术家，不是所有的摄影师都是艺术家，这是肯定的。
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读《好看的是灵魂――摄影与人生》
刘海星摄影作品《舞蹈》
　　肖红英
&&& 算起来，我和刘海星曾经在同一所大学里先后呆过。真正和他成为朋友，却是在28年之后。第一次看到他的作品，是在网络上，传得很广的那张《舞蹈》，胡杨僵死的躯体高张手臂，苍阔的天空下有一种悲伧，印象很深。没有想到，作者就是刘海星。再看他的其他作品，总觉得每张都有故事，每幅作品背后的情感都能够溢出作品本身，以至于我观看之后，每每沉浸在一种状态里。
刘海星摄影作品《寒冰翠松二》
　　摄影可以记录生活，但是摄影不是翻拍生活。人生太丰厚太沉重，具有一度性，没有回放的可能。好的摄影虽然只有几百分之一秒，却可以从中截取瞬间，让它静止不动，从而扩展时间的内涵，改变我们对生活的看法。要把人生没有成见地表达，非需要功力不可。这个功力不光是技术，还有战胜了熟练之后的“拙”和“嫩”，既有饱经沧桑的透彻人生，又有孩童的清新天真，其拙如铁，其嫩如筋，海星像一个小学生亦步亦趋，不旁骛不猎奇，他的功业就这样一声不响地潜伏着，静候爆发的时辰。风光摄影在数码技术发展迅速的今天，已经被滥用到了无新意的地步，幸运的是，海星用他的摄影唤醒了沉睡在风景中的人性，打开了那个坚硬的果核。
刘海星摄影作品《野渡》
　　《野渡》这幅作品，取材于冬季的吉林雾凇岛。一边烟波模糊了界线，一叶扁舟解了缆绳，黑白影像过滤了色彩，无一丝亮色，更不见浩阔壮美的水面，或浓或淡的铅灰满布画面，构建出神秘的气氛，仿佛寓意惨淡的人生，倾诉孤独依然是人的宿命。让人扼腕沉思。
　　艺术家是用一生在走路，在短暂的一生当中，至少应该有一次，踩在人类永恒情感的琴弦上，其带来的回声会延长其艺术生命。现在的生活戏剧化非常，似乎时时刻刻都可以出作品。作品也有深有浅，有大有小，要成为大师，需要的是心灵和客体的契合，海星沿着这条道路，用一种缄默的执着，一种固执，一种坚定和确信前进。海星的诗写得好，他好读书，好思考，在我的印象里，他随身总是带有纸和笔，随时随地都准备取出来写点什么。诗和摄影艺术正与他寤寐思服的艺术起点相契合，人类永恒的情感，就这样被海星赋予他的作品。
刘海星摄影作品《呼唤》
　　海星镜头摄取的自然物，都有姿态与人生相回应，仿佛人生的轮回，喜怒哀乐，生离死别，具有灵性。自然构图有鬼斧神工之妙，不可能听任人类的召唤，但是不懂得与山水对话的影者，只看得见物质的峰峦，无法触摸灵魂的高山。
　　海星是一个重情的人，其作品充盈着抒情气质。海星作品的素材都是人人耳熟能详的名胜，比如长城，比如阳朔，等等，在烂熟的素材中找到自己独有的表达方式，实非易事。现代数码技术流水线生产明信片，好看，但缺乏深度。深度来源于人文精神，人文精神不是整容术，而是所有那些值得我们期待的珍贵的情感，是传统文化中的忧患意识和诗性思维。
刘海星摄影作品《金山岭之晨》
　　初看海星的《长城》，就相当震撼。因为很难想象把长城拍成这样，千疮百孔，伤痕累累。在惯常作品中，摄影人很容易把宏大雄伟的叙事主题赋予了它。然而，海星的长城里，我却嗅到了人的气息。人是历史的主题，是文化的缔造者，海星把一砖一石放大，看得到坚硬如铁的黄泥上的掌纹，看得到墙面白色的结晶。前不见古人，后不见来者，念天地之悠悠，独怆然而涕下。无数个充满痛楚的年代，在砖缝中无声无息地流过去了， 命运的洪流，把墙体啮噬得千疮百孔。孟姜女的泪水已被风干，此刻，就在你我的泪腺里，与天地共老。
　　艺术自有它的逻辑，它把本能变成思慕，把两性之间的欲望变成人与人的依恋，把人对自然的利用和博弈变成欣赏。有没有人，山都大；有没有人，太阳都亮；有没有人，宇宙都无穷无尽。自然存在着“大”和“美”，人也可以创造大美，那就是对万事万物，对自己生命状态和灵魂的悟道与感应。
　　谁与韶华共憔悴？惟有山河。
　　海星赋予它们诗意的面孔，来传达他看到的生命的悲喜，丰盈，和光明。
　　艺术自有它的逻辑，它把本能变成思慕，把两性之间的欲望变成人与人的依恋，把人对自然的利用和博弈变成欣赏。有没有人，山都大；有没有人，太阳都亮；有没有人，宇宙都无穷无尽。自然存在着“大”和“美”，人也可以创造大美，那就是对万事万物，对自己生命状态和灵魂的悟道与感应。
(编辑：dongle)
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